Entonces Samuel tomó una piedra y la colocó entre Mizpa y Sen, y la llamó Eben-ezer, diciendo: Hasta aquí nos ha ayudado el Señor.
1 Samuel 7:12
Luego del difícil 2020 que
nos tocó vivir, todos teníamos la esperanza de que este nuevo año sería
diferente y si bien es cierto el tema del virus bajo un poco, las restricciones
siguieron y el uso de mascarilla sigue siendo obligatorio, llegaron las vacunas
y a fines de año Ómicron aterrizo, se volvieron a encender las alarmas y las
prohibiciones del 2020 volvieron a asomar su cabeza.
En Perú las cosas no lucen
muy favorables, el pueblo eligió con el hígado a un impresentable que ha
comprobado su ineficacia para dirigir a un país, solo que nadie se atreve a
vacarlo por intereses creados. De igual forma en Latinoamérica la ola roja
sigue avanzando a todo galope, sin que nadie parezca controlar su crecimiento,
lo cual me lleva a pensar: “Nunca des por muerto a un rojo”.
A nivel personal estuve
buscando chamba fija sin encontrarla, pero en el proceso he podido seguir con
mis tramites independientes y otras cosas más, Dios me ha mostrado su provisión
y su misericordia. Espero ser mas valiente y creer que soy capaz de hacer un
par de temas que se que puedo, y encontrar si esta en la voluntad de Dios algo
fijo el año que viene.
Regresamos casi sin querer
a hacer fanzines con Z, sacamos dos y tenemos algunos proyectos en la bolsa,
que por fe se concretaran este año que se viene. Proyecto siguió con las
reuniones virtuales, pero casi a fin de año nos pudimos reunir presencialmente
lo cual fue de las mejores cosas del año, además nos estuvimos juntando más
seguido para hacer diversas cosas y esas reus quedan atesoradas pues el tiempo
con los amigos es muy valioso, hicimos un Underfest a las corridas que salió
bien considerando el poco tiempo de organización. Pudimos visitar a los amigos
de Pisando luego de muchas lunas y eso nos hizo muy felices. Seguimos escribiendo
para Cristiano Apologético, continuamos con los blogs y aprendiendo paso a
paso.
Este año fueron casi 4200
km con la bicicleta, muchas memorias con amigos que son hermanos y a pesar de
que a veces uno se bajonea, recordar lo que Dios hace en nosotros nos levanta y
ayuda a continuar. Este año deje de hacer videos, pero pienso retomarlo el año
que viene.
La familia esta bien,
varios afuera y pocos aquí en Lima, nuestra salud como montaña rusa con sus
altas y bajas y tercos sabiendo que debemos dejar los vicios y seguimos
arrastrándolos. Pero unidos y fortalecidos siempre con la mirada puesta arriba.
Este año tuvimos una sorpresa que aun la estamos analizando y hay cambios que
se vienen en un futuro.
EBENEZER porque Dios nos
sigue acompañando como siempre lo ha hecho, somos humanos, caemos, nos
levantamos, pero seguimos adelante, porque el que persevera hasta el fin será
salvo, y créanme que, en estos tiempos locos, el perseverar y mantenerse
derecho es algo recontra difícil.
No somos perfectos, solo
perdonados, pero tampoco nos vamos a vender al sistema ni quedarnos callados,
seguiremos gritando nuestra verdad a un mundo sordo, pero con la convicción de
que la Palabra no vuelve vacía. Somos los mismos locos apasionados de siempre,
solo que mas viejos y un poco mas sabios.
Frost Like Ashes ha regresado trece años
después de su último EP Born to Pieces, luego de muchas dificultades han vuelto
con un nuevo Ep que perdon si me equivoco nos trae un nuevo sonido en las tres
primeras canciones que bajan un poco las revoluciones sobre lo que la banda nos
tenía acostumbrados, pero que son excelentes.
Empezamos con Goer, un riff de guitarra
para empezar a un ritmo pausado, con un teclado de fondo, luego acelera un
poco, pero en general es una canción a un ritmo medio, la voz de Nick cambia
entre gutural a gritos black. El tema más corto del disco nos invita a empezar
el viaje.
The Mountain, they Say, nuevamente el riff
de guitarra que da paso a la batería en otra canción que acelera un poco las
cosas, pero no tanto, la voz aquí cambia un poco respecto a la anterior, Nick
usa su voz black, me encanta la parte en donde si no me equivoco se escuchan
unas voces detrás junto al teclado, es como la calma en medio del caos, incluso
hay un solo de guitarra que nos saca una sonrisa de satisfacción.
The Coming and Going of Sufferings
comienza con una siniestra voz que nos va hablando como para introducirnos al
tema, luego entra el juego de voces que van alternando, un oscuro interludio
que da paso a otro excelente solo de guitarra.
The Weight of Frost and Ice nos regresa al
sonido de Tophet, corriendo a todo galope sin dar respiración, la voz aquí
nuevamente se intercala, los teclados de fondo suenan muy bien, otro solo de
guitarra (esto es grandioso) y volvemos a correr, con este tema dieron a
conocer el EP y que excelente elección, una de las mejores.
When Cold Dies cierra el disco de nuevo a
toda velocidad, terminando bellamente con una guitarra acústica, cerrando el
disco con una nota muy alta.
Frost Like Ashes ha regresado por todo lo
alto, tres canciones iniciales un poco lentas, pero que van con el tema oscuro
del disco, un álbum que nos habla sobre las diversas formas del sufrimiento del
ser humano, algunas canciones están basadas en experiencias personales de los
miembros del grupo.
Las dos últimas canciones desatan el caos
y aceleran las cosas al máximo, no es un disco de black propiamente dicho, sino
que va combinando estilos y si lo escuchamos con detenimiento nos llevaremos
gratas sorpresas.
Gracias chicos por regresar y traernos
este brutal y hermoso trabajo.
Si aún no lo has conseguido, no esperes, y
nosotros no podemos esperar por su próximo disco que seguro será genial.
¿Otra vez Neal Morse? Sí, otra vez, porque
a este incansable multi instrumentista no le bastó con su último disco en
solitario, «Sola Gratia» (septiembre 2020), ni con lo nuevo de Transatlantic,
«The Absolute Universe» (febrero 2021), sino que ahora está de vuelta con The
Neal Morse Band (NMB) y otro nuevo disco (doble) de estudio, «Innocence &
Danger». disponible desde el pasado 27 de agosto vía InsideOut Music.
Lo mismo podríamos decir del baterista
Mike Portnoy, que es una sombra de Neal Morse, allá dónde va uno va el otro,
recuerdo que ambos también coinciden en Flying Colors. El resto de la banda es
la habitual que colabora con Morse en solitario y la misma que en NMB tiene una
participación más grupal y compositiva. Estamos hablando de Eric Gillette
(guitarras, voces), Randy George (bajo, voces) y Bill Hauber (teclados, voces).
La diferencia más significativa con
respecto a Neal Morse en solitario es precisamente esa, NMB se presenta como un
grupo más colectivo, dónde cada uno de ellos tiene un papel más importante a la
hora de componer, abogando por un rock progresivo épico, más clásico, y no tan
experimental como pueden ser los discos de Morse.
Precisamente, «Do It All Again», canción
que abre el primer cd, «Innocence», me da la sensación de que «esto» ya lo
escuché en otra parte, y es que quién conozca la trayectoria de Neal Morse
estará de acuerdo conmigo, y también quién haya crecido con grupos clásicos como
Genesis o Kansas tampoco se sorprenderá si no le viene alguna reminiscencia.
Eso sí, la excelente producción y pegada de Portnoy es un plus que se agradece
dado los casi nueve minutos de duración.
El inicio de «Bird On A Wire» me recuerda
a Dream Theater, aunque parece ser sólo un espejismo porque el protagonismo se
lo llevael teclado y las voces de Neal
Morse y Eric Gillette. Este último se destapa como uncantante a tener en cuenta y con mayor peso
en el grupo, de hecho el estribillo es todo suyo, y también tiene tiempo para
picarse de forma virtuosa con Bill Hauber, donde ambos mantienen un buen duelo
de solos de guitarra y teclado.
«Your Place In the Sun» es un tema
tranquilo o suave, claramente influenciado por los Beatles, por lo tanto más
coral (hasta Portnoy canta un verso con el resto), mientras que «Another Story
To Tell» es un poco más animado y directo, retomando los sonidos clásicos del
rock progresivo y algunos trabajos previos de Neal Morse.
La calma absoluta llega con la balada «The
Way It Had To Be», una canción lenta, atmosférica, con acordes de guitarra
blues y unas notas de teclado profundas que recuerdan a Pink Floyd, no sólo por
este sonido, sino también por su estructura (parte de la letra te recordará a
Roger Waters y compañía).
«Emergence» es un interludio de guitarra
acústica a cargo Morse, que personalmente no me dice nada, pero que se une con
«Not Afraid Pt 1», siguiendo el formato acústico, ahora con la incorporación
del teclado, que aquí suena un tanto oscuro, y que, pausadamente, el tema va
creciendo en intensidad y épica, recordando a la época de Spock’s Beard.
«Innocence» se cierra con «Bridge Over Troubled
Water», una versión de Simon & Garfunkel que NMB la transforma en un
compendio progresivo y épico, dónde lo más destacable son las pequeñas
orquestaciones y el inconmensurable Eric Gillette, con un fantástico solo de
guitarra en la sección intermedia y con su voz en la parte del estribillo y
cerrando el tema.
El segundo cd, «Danger», sólo tiene dos
temas, eso sí, el primero, «Not Afraid Pt. 2», de casi veinte minutos, y el
segundo, «Beyond The Years», de más de media hora. ¿De verdad alguien pensaba
que estos músicos se iban a conformar con canciones de cinco u ocho minutos,
como mucho? Yo no, y más tratándose de Neal Morse.
Bueno yo aplicaré el dicho que dice:
cuanto antes se empiece antes se termina. «Not Afraid Pt. 2» poco tiene que ver
con la primera parte, salvo por el título. Por supuesto, me quedo con esta. Los
diferentes tiempos que maneja a través de múltiples secciones son
extraordinarios. Una primera parte más bien metalera y con unas guitarras muy
adictivas son buenos alicientes para empezar, para luego pasar a momentos más
tranquilos, coincidiendo con la entrada de Morse, que toma las riendas vocales,
dando un toque emocional a la canción, sin olvidar el gran trabajo que hace
Bill Hauber con las teclas (muy presente ese sonido tan característico de
teclado en todo el disco). Subidas y bajadas que resultan agradables de
escuchar, y repletas de influencias, una vez más me vienen a la cabeza los
Spock’s Beard.
Terminamos con la extensísima «Beyond The
Years». Una obra maestra y de los mejores temas que se hayan compuesto en la
historia del rock progresivo (me atreveré a decir). Casualmente, y a pesar de
su duración, me resulta el tema más ameno de todos, incluso se me hace corto,
por muchos motivos, a parte de su complejidad, las diferentes líneas melódicas
que trazan Morse, Gillette y Hauber son fantásticas, especialmente la sección
de teclado y guitarra a mitad de canción son momentos culminantes (increible
duelo de solos por parte de ambos), pero es que aquí no acaba la cosa, porque
George y Portnoy no se iban a quedar atrás, ellos también tienen su momento
álgido demostrando cómo se hace una base rítmica consistente para que el resto
aplique su virtuosismo, emotividad y melodías a un tema tan extenso, sinfónico
y épico como es este.
En definitiva, «Innocence & Danger» es
otro disco imprescindible para los amantes del rock progresivo. No hay
emociones fuertes, pero sí una elegancia y una calidad a la altura de los
músicos que son. En particular, quiero destacar el trabajo de Eric Gillette, no
sólo como guitarrista sino también como vocalista, compartiendo protagonismo
con Neal Morse, incluso algo más diría yo. De todas formas, NMB da la sensación
de ser un grupo muy unido, compacto, y al que le sobra creatividad.
Apenas podía creerlo cuando mi compañero
holandés de Facebook, Jan Knapper, me envió un enlace a una nueva canción de
Trytan. Eh, ¿la misma banda originaria de Chicago que lanzó dos discos de rock
/ metal progresivo en 1987 ("Celestial Messenger") y en 1990
("Sylentiger") para desaparecer por completo de la escena después de
eso? De hecho, la misma banda, aunque no del todo. Solo el guitarrista /
cantante Lary Dean permaneció de la formación original, pero él era y es el
hombre principal de todos modos. Aunque, no subestimemos el papel del nuevo
baterista Eric Gilette (The Neal Morse Band) quien tiene su propio estudio
donde la banda grabó este disco y también se encargó de la destacada producción
(en colaboración con Lary Dean) de este tercer disco de Trytan. además, también
proporcionó teclados. Completando la formación en estos días está el ex bajista
de Barren Cross Jim LaVerde. Estar fuera de la escena durante unas tres décadas
ciertamente no ha causado estragos en la creatividad de Lary Dean.
El hombre es cristiano y también es
predicador. Por tanto, no es de extrañar que las letras de "Blood Of
Kings" sean muy religiosas. La incrustación del CD contiene todas las
letras y Lary Dean explica lo que significan todas y cada una de las canciones
y cómo surgieron. Es como leer una entrevista interesante. Las canciones se
basan líricamente en libros religiosos y la Biblia. Quizás no sea del agrado de
todos, pero no dejes que el contenido lírico sea un obstáculo, de lo contrario,
¡podrías perderte uno de los discos de rock / metal progresivo con mejor sonido
del año! Sé que el año todavía es largo, pero si te gusta Rush (Dean tiene una
voz que te recordará a Geddy Lee), Kansas, Dream Theater (el tono de guitarra
de Dean tiene similitudes con el de John Petrucci) e incluso Triumph deberías
regálate una copia de 'Blood Of Kings'. Las canciones son complejas, el sonido
es por etapas masivo pero muy melódico. Todos los instrumentos y voces (en
capas) suenan extremadamente claras, sin embargo, los procedimientos en general
son muy pesados y las canciones son en momentos de proporciones épicas
(tiempo total de reproducción 79,25 minutos). ¡¿De verdad no sé qué pistas
señalar?!
Tal vez "The Descender", que
abre el proceso con un flash de noticias sobre el 11 de septiembre antes de
convertirse en una pista muy emocionante y muy atmosférica. "Revelation
Song", donde no menos de dos cantantes John Elefante (Mastedon / Kansas) y
Ray Parra de Sacred Warrior tienen una aparición especial ¿O qué pensar de “The
Godstorm” con una genial guitarra? Y tenemos una pista principal que salta a
todo tipo de direcciones emocionantes. ¡Solo elige tu opción! Claramente, este
es un álbum que necesita algunos giros para captar y comprender lo que está
sucediendo, ya que las canciones a veces son de temperamentales, llenas de
expresión, giros y vueltas, básicamente un lanzamiento que exige la atención
completa del oyente. Deja que venga a ti, deja que te abrace y estoy seguro de
que, si te gustan las formaciones antes mencionadas, te enamorarás
incondicionalmente del encanto y la clase de "Blood Of Kings". ¡En el
género progresivo en lo que va de 2021 con la cabeza y los hombros por encima
de cualquier otro lanzamiento del género junto con "Out Of This
World" de Kayak!
Lanzado a principios de este año, el primer álbum en
solitario de Christian Liljegren (según sus propios cálculos) titulado Melodic
Passion es una fantástica amalgama de hard rock y heavy metal inspirados en los
70 y 80. Esto definitivamente podría estar en la conversación por el mejor
álbum de 2021.
Con influencias como los primeros Rainbow, Deep Purple,
Dio, Accept colgando de la manga para que todos vean, Christian rinde homenaje
a lo que ha sucedido antes musicalmente mientras proporciona un contenido
lírico que es edificante y trae luz a los lugares oscuros. La calidad aquí es
asombrosa y merece ser apreciada por todos.
Desde temas de puro hard rock metal como “Salute For The
King” o “The Rock” hasta la balada inspirada en Scorpions “This is My Love
Song”, Liljegren ha ofrecido un golpe de gracia en un lanzamiento. Simplemente
haga girar “The Victory” y observe cómo sale el humo de sus parlantes, un
pesado montaje de melodía, destreza vocal y magia de la guitarra cortesía de
Stephen Carlson.
La letra aquí es exactamente lo que esperarías de
Christian, edificante directo y apunta al Único Dios Vivo y Verdadero. Jesús es
elevado aquí, no se equivoquen al respecto. Los ganchos son abundantes aquí, ya
que se introducen en su cerebro y exigen que simplemente presione repetir en el
reproductor de música de su elección.
Un órgano Hammond es lo que abre "Dead or Alive"
cuando la canción pasa a un ritmo aleatorio que se remonta a algo de principios
de los 70. Pero no crea que esto no es pesado; esto es de la vieja escuela con
mucha energía y dinámica. Mostrar un aprecio increíble por Uriah Heep, Thin
Lizzy y The Sweet (según la propia admisión de los cristianos) DOA me hace
desear que esto se hubiera escrito en ese entonces en lugar de en 2021. ¡Habría
tenido tantos años más para disfrutarlo!
Muchos dirán por qué no escribió "material
nuevo", por qué simplemente repite lo que ha sucedido antes. Honestamente,
si esa es su opinión, tiene derecho a ella, pero estaría equivocado. Este es un
nuevo arte creado para mostrar la apreciación de lo que ha sucedido antes y
agregarle el brillo de 2021. Hay una delgada línea entre el homenaje y la
parodia y Liljegren es claramente un homenaje y aprecio.
Los instrumentos tienen un sonido muy orgánico sin la
sobreproducción extrema de muchos lanzamientos. Con Mastering de CJ Grimmark
todo está bien definido y espaciado apropiadamente en la mezcla. Las canciones
son material de clase mundial con los toques y mejoras apropiados que llevan
este lanzamiento a una conclusión satisfactoria.
El primer álbum oficial en solitario de Christian
Liljegren, Melodic Passion, después de casi 50 lanzamientos anteriores, es un
tour de force de hard rock melódico y heavy metal. Puede que este no sea el
sabor del mes, pero no me importa, este es un lanzamiento que resistirá la prueba
del tiempo.
El rock cristiano siempre ha sido
bendecido con algunos de los mejores vocalistas del mundo. Petra tiene a John Schlitt. Stryper tiene a Michael
Sweet. Rob Rock tiene, bueno, Rob Rock. Theocracy tiene a Matt Smith. Y
Barren Cross tenía a Michael Lee, ahora conocido como Michael Drive. Drive
cantó en los cuatro discos de estudio de Barren Cross, cantando metal clásico
en la línea de Iron Maiden y luego encontrando su propia voz en el álbum State
of Control.
Otra voz del rock que se elevó a rangos
legendarios fue la de Ronnie James Dio. Y en los discos de Dio, Strange
Highways y Angry Machines, apareció un guitarrista llamado Tracy G. Hizo solos
épicos en canciones como "Firehead" y "Black". La
interpretación de Tracy fue una gran combinación de riffs al estilo Iommi y
solistas trituradores al estilo Eddie.
Y este año, estas dos fuerzas del rock se
unen en nombre de Gale Force, una nueva banda que presenta algunos de los
metales más sabrosos de este año. Los colaboradores de Tracy G desde hace mucho
tiempo, Randy Ovieda (bajo) y Paul Alfery (guitarra), han agregado su
considerable habilidad a la mezcla para ofrecer un debut impresionante.
El nuevo álbum, Subhuman, es una mezcla madura
de metal clásico y nuevas influencias. Con una larga carrera en el hard rock /
heavy metal y se nota. Profundicemos y exploremos qué hace que este lanzamiento
sea tan sólido.
Voz:
Siempre es genial escuchar a Michael Drive. Su voz rica y poderosa atraviesa la
mezcla entregando la entrega más apasionada de su carrera. No contento con
gritar su característico aullido de sirena de ataque aéreo, también gruñe,
gruñe y grita a lo largo de las once canciones de este disco. Es un vocalista
siempre inventivo y realmente ha estirado su creatividad en Subhuman. Tracy G
declaró: “Toqué en el escenario junto al mejor cantante de la historia del
metal, así que sabía que Michael tenía que cantar con convicción para
impresionarme. Y lo logró ".
Guitarras: Tracy
G tuvo una experiencia temprana tocando con el poderoso Ronnie James Dio. Sabe
recostarse y dejar brillar al cantante. También sabe cuándo dar un paso
adelante y ofrecer un ritmo aplastante y pistas gritando. Paul Alfery es la
otra pieza del ataque de guitarra gemela de Gale Force. Toca un ritmo muy
sólido, dejando que Tracy brille en los leads. Estos dos músicos tienen una
química increíble y ofrecen una losa de sonido que golpea un minuto y luego se
relaja para obtener una gran dinámica.
Bajo:
Randy Oviedo establece un fondo grueso que es a la vez contundente y
castigador. Sólido, con un ritmo que tiene la cantidad justa de
"heavy".
Producción: Todo
el proyecto comenzó con el deseo de Paul Alfery de crear un proyecto con Tracy
G. Randy Oviedo ha tocado el bajo en muchos de los proyectos de Tracy, por lo
que era natural. Necesitaban un cantante y encontraron uno increíble en Michael
Drive. Paul luego produjo el álbum completo en su estudio digital de última
generación. Cada miembro grabó sus partes en sus respectivos hogares y las
envió a Paul para que las mezclara. Luego, las pistas se enviaron a Michael
para las voces, melodías y letras. Este estilo de producción de "ida y
vuelta" fue necesario debido al distanciamiento social requerido debido a la
pandemia de COVID-19. Esto no afectó en absoluto al sonido del álbum. La
producción es nítida, aireada, pesada y bien espaciada. Las dos partes de
guitarra son distintas y la sección rítmica es contundente sin enterrar el
bajo. Las voces son una obra de arte de producción. Michael Drive es un
cantante maestro, pero la vitalidad adicional que le dio a su interpretación la
producción de Paul Alfery es una maravilla para la vista.
Un aparte interesante, Paul usó el
modelado digital para producir su tono de guitarra mientras Tracy G tocaba la
misma guitarra, a través de los mismos pedales, y en el mismo amplificador que
usó cuando estuvo de gira con Dio en 1993. No sé cuál es cuál.
Letra:
Michael Drive siempre ha sido muy franco sobre sus creencias. Sus elecciones de
letras reflejan esto y el resto de la banda le permitió tener control sobre
este mensaje. Tracy reflexionó: "Si Michael no cree en lo que está
cantando, no es auténtico". Y me alegro de que le hayan dado esa libertad.
Canciones como "Where Am I Going" y "Never Say Good Night"
son canciones de esperanza en un mundo sin esperanza. Aborda otros temas como
el totalitarismo (“Master Machine”) y la adicción (“Fire In The Hole”).
Este disco me tomó por sorpresa por su
frescura y vitalidad. Un disco con hambre que se dirige a la garganta. Es
crujiente y memorable. Está cargado de gancho e imaginativo. Y lo mejor de
todo, suena maravilloso en el sistema de sonido Shaker 500 de mi Mustang.
La belleza de la resurrección descansa en algún lugar entre
lo conocido y lo nuevo. No se trata solo de regenerar lo que era a su estado
anterior; es algo revitalizado, reinventado y que existe como entonces y ahora.
Cambia y se convierte en algo nuevo. Los veteranos del metal cristiano, Demon
Hunter, han lanzado una colección de canciones "resucitadas" de sus
últimos diez álbumes de estudio, y la nueva vida que se insufla a estas pistas
le da una potencia completamente fresca y hermosa al espíritu incomparable de
la banda.
Cuando eliminas la distorsión y adoptas un nuevo enfoque de
producción, como Demon Hunter ha hecho con Songs of Death and Resurrection, te
quedas con una colección virgen de texturas que toman forma en el hueco del
sonido tradicional y cuidadosamente elaborado de la banda. No es ningún secreto
que Demon Hunter puede tocar una hermosa balada en medio de sus riffs y ritmos:
las cuerdas opulentas y el piano inquietante no son necesariamente herramientas
nuevas en el arsenal de la banda. Sin embargo, en su último lanzamiento, esos
elementos más suaves y familiares ocupan un lugar central junto con la rica voz
de barítono de Ryan Clark. Como si el rango y la variedad de las voces de Clark
no fueran suficientes para justificar la producción del álbum, solo están en el
primer plano de un telón de fondo masivo e intrincadamente pintado de
movimiento emocional y de buen gusto.
Si bien el álbum tiene el mismo arreglo general de
principio a fin, hay algunas piezas únicas que elevan algunas canciones por
encima del resto. La gaita reverente que termina en "Dead Flowers" o
las campanas en "Blood in the Tears" abren el trabajo, mientras que
otras pistas como "Deteriorate" se reducen aún más, llevando la potencia
de un instrumento al límite y exponiendo los huesos desnudos de un piano
envuelto en melodía fragante. Una de las composiciones más convincentes del
disco, sin embargo, puede muy bien ser "Praise the Void", la que se
escribió específicamente para este paisaje musical modificado. A diferencia de
algunas de las adaptaciones de la banda de sus trabajos anteriores, la
estructura de acordes abiertos y la melodía de esta canción se prestan
naturalmente a la configuración orquestal y los bordes más suaves de la voz de
Clark. El espacio y las voces dan vida al rango emocional de la canción, quizás
la única oportunidad perdida importante en algunas de las otras pistas. Entre
la antología de canciones reinventadas de manera tan hermosa, "Praise the
Void" se mantiene firme y alcanza todas las fortalezas de Demon Hunter al
escribir para el paladar más suave.
Con capas de cuerdas, armonías y guitarras acústicas, Songs
of Death y Resurrection rompe la norma de lo que hemos llegado a conocer como
"Demon Hunter". Se necesita una marca única de confianza para
devolver algo a la vida y arriesgarse a polarizar a una base de fans. Pero, a
medida que la banda extendió sus alas a lo largo de dos décadas de componer
música, los indicios del lado más melódico de la banda crecieron en
popularidad. Esos indicios ahora están solos como una colección completa que
resuena como una voz audaz pero discreta tan fuerte como su sonido más pesado.
Y gracias a su diligente creatividad, los fanáticos que han seguido a Demon
Hunter a lo largo de los años ahora tienen una experiencia multifacética para
celebrar junto con algunos de sus preciados favoritos.
Si Carrie Underwood alguna vez hubiera desarrollado una
perspicacia para la composición de canciones más profunda y prolífica, y tal
vez se hubiera acercado un poco más a sus raíces de Oklahoma, podría haber
estado peligrosamente cerca de convertirse en la versión de la próxima
generación de Dolly Parton, no desde un punto de vista estilístico musical,
sino como una persona de aparente integridad impenetrable; alguien que pueda
reunir fanáticos y aliados a través de espectros y divisiones musicales,
políticas y sociales. Aun así, ella podría ser la candidata más ideal de la
cosecha de artistas principales de country para ascender a ese lugar de
consenso universal al estilo Dolly a medida que pasa el tiempo.
Una cristiana sin complejos que también es vegetariana
("aspirante a vegana", se llama a sí misma), Carrie Underwood canta
canciones pop country, pero honra muchas de las tradiciones y sutilezas de la
música country mucho más que la mayoría de sus compañeros de la corriente
principal, simplemente tratando a todos con respeto, agradecidos por su éxito y
honrando sus compromisos con el Grand Ole Opry en un grado al que ningún otro
artista de country tocado por la radio puede siquiera acercarse. Es muy difícil
encontrarle fallas, incluso si su música te deja plano.
Expresar la fe de uno en sus canciones probablemente no sea
tan aceptado en 2021 como lo fue durante el apogeo de Dolly Parton, o cualquier
otro artista country como Johnny Cash que tuvo más música cristiana y gospel
que nadie. Tener la audacia de pronunciar la palabra "Jesús" puede
desencadenar a grandes sectores de la sociedad en estos días. Pero al igual que
Dolly Parton y Cash, Carrie Underwood puede salirse con la suya porque no
sientes que el juicio provenga de ella, solo amor y caridad. Si consideras la
música gospel simplemente como un proselitismo, estás perdiendo el punto.
Devoto o no, todos deberían poder apreciar estas expresiones de las creencias y
la cultura de alguien.
Después del sorprendente y muy real éxito del álbum
navideño de Carrie Underwood, My Gift, lanzado a fines de 2020, que presentaba
en su mayoría estándares festivos de temática religiosa, Carrie decidió
continuar utilizando su tiempo de inactividad de bloqueo pandémico en el
estudio para grabar menos material de temporada como una forma de compartir su
fe. Al igual que en el álbum de Navidad, muchas de las canciones resultarán
familiares al público, incluso a los miembros seculares. Pero a diferencia del
disco de Navidad que se sintió un poco falto de imaginación en su enfoque, My
Savior se siente elegantemente texturizado e inspirado.
Puede ser fácil preguntarse por qué Carrie se molestaría
con un álbum así. El mercado de la música cristiana es tan competitivo y
saturado en estos días como cualquier otro, y las nuevas versiones de los
viejos estándares no necesariamente encenderán el mercado del gospel. Pero este
es uno de esos álbumes en los que es tanto para la propia Carrie Underwood como
para cualquier otra persona, y esa pasión por el material se manifiesta en las
actuaciones. Después de escuchar la interpretación de Carrie Underwood de
"How Great Thou Art", no te preguntarás por qué el mundo necesitaba
otra versión grabada.
Dios tocó esta alma en particular con una increíble dosis
de talento para el canto; eso es seguro. Pero donde la voz de Carrie Underwood
a veces puede parecer un poco demasiado campestre, casi demasiado poderosa cuando
se lleva a lo que se supone que es un material discreto, las alturas
vertiginosas que puede alcanzar son casi perfectas para elogiar a través de
composiciones atemporales que pueden actúan como plataformas de lanzamiento
para aquellos lo suficientemente bendecidos como para escalarlos, como Carrie
Underwood.
Este no es un registro de country. Este es un registro
cristiano. Sin embargo, además de entregar su primer volumen de material
exclusivamente religioso, Carrie Underwood también podría haber entregado uno
de sus discos más country hasta el momento, no solo por la naturaleza del
material, sino por el aspecto fundamental de parte de la música. Se trajo un
enfoque tan elegante y amoroso a cada composición, desde el solo de armónica de
apertura interpretado por Buddy Greene, quien luego se une a Underwood en un
discreto "Amazing Grace", hasta la guitarra de acero de Russ Pahl,
quien toca numerosas composiciones, incluyendo lo que podría ser la pista más
country de Underwood en "Victory in Jesus". Charlie Worsham también
aparece en el álbum tanto con la guitarra como con la mandolina, al igual que
CeCe Winans, que puede hacer un disco country ella misma cuando quiera.
Se ha dicho durante mucho tiempo que Carrie Underwood
debería hacer un disco country tradicional puro algún día, y probablemente le
saldría muy bien si sus versiones de canciones country clásicas en vivo a lo
largo de los años son una indicación. Pero en cubierta, primero estaba ella
expresando su fe cristiana con un grupo de canciones cuidadosamente
seleccionadas que sabía que podía golpear, respaldado por una producción
sorprendentemente elegante y arraigada que hace que My Savior no sea solo otro
disco de gospel que supere los estándares, sino el momento decisivo de Carrie
Underwood. su huella en esta importante porción de la impronta cultural de
Estados Unidos.
Leigh Nash, líder de Sixpence None The
Richer, ha reunido a un grupo ecléctico de dúos en su nueva colección de seis
canciones, The Tide, Vol. 1, programado para su lanzamiento el 24 de septiembre
a través de Visionary Media Group.
El estilo vocal reconocible de Nash, que
se hizo famoso con éxitos monstruosos como "Kiss Me" y "There
She Goes", se combina a la perfección con los socios que ha seleccionado
para The Tide, vol. 1, incluidos Tanya Tucker, Vince Gill, Ruby Amanfu, CeCe
Winans, Raul Malo y el esposo de Nash y socio creativo durante mucho tiempo,
Stephen Wilson Jr.
Los temas de The Tide abarcan una amplia
gama de estilos e historias, desde el lamento de "Never Again, Every
Time" con Tucker, hasta la sensual versión del clásico de Elton John
"Your Song", pasando por la conmovedora interpretación del himno
"I Need Thee". Every Hour” con Winans, y la disección de la
experiencia racial en “Good Trouble” con Amanfu. Cada pista sirve para revelar
aún más la diversidad de Nash como intérprete y su corazón como narradora.
“Creo que el hilo conductor es la
vulnerabilidad, simplemente estar abierto a cualquier cosa creativa que nos
susurre al oído”, dijo Nash. “Escúchalo… confía en él. Es ser vulnerable al
momento, a las canciones, a la música, a por qué estoy en esta tierra ".
Ella continúa: "Lo que he descubierto que es cierto con mi composición es
que parezco servir mejor a una historia o una canción cuando es algo que me
sucedió naturalmente, como un encuentro o una conversación. No los escribí
necesariamente para este proyecto. Son una colección de canciones que he tenido
que son mis favoritas y que todavía no las había tenido. Así que esta es una
oportunidad emocionante para mí de sacarlas y trabajar con algunos de mis
héroes también ".
Hay muy pocas cosas con las que puedes contar en esta vida,
pero el cambio de estaciones es una de ellas. También puede apostar con
seguridad a que Jon Foreman está en algún lugar con una guitarra acústica en la
mano, escribiendo otra serie de canciones estelares. Ya sea con Switchfoot, un
proyecto paralelo como Fiction Family, o proyectos en solitario, el hombre
parece no tener escasez de inspiración para innumerables melodías. Aquí, en su
obra en solitario más reciente, titulada Departures, Foreman ofrece doce de sus
canciones más explícitamente centradas en Cristo que uno recuerde. Si bien casi
siempre ofreció esperanza frente al dolor y pidió amor con un enfoque más
implícito, Departures lo encuentra verificando el nombre de Jesús directamente.
Suena cansado, pero no desprovisto de fe, no, ni mucho menos.
Los aspectos más destacados no son difíciles de encontrar
comenzando con la épica e inquietante "The Ocean Beyond The Sea."Tiene
una calidad de himno, ya que se construye hasta una conclusión explosiva con
una sección de cuerdas intensa y la batería a la cabeza. Debido a su tema y
tono basados en el agua, pude escuchar a la banda indie de rock náutico Rusty
Shipp haciendo una justicia de portada asesina. Cambiando de tema a partir de
ahí, "Education" cambia hacia lo alegre y optimista. En las
siguientes dos canciones, las artistas femeninas Madison Cunningham y Lauren
Daigle se unen a la refriega en "Side By Side" y "A Place Called
Earth", respectivamente. Mientras que el primero ralentiza las cosas y tiene
a Cunningham apoyándolo con matices suaves, Daigle toma el verso dos del
segundo, prestando su poderosa voz de una manera más prominente que exige la
canción de combustión lenta. Considerándolo todo, es un fantástico doble golpe
que aterriza perfectamente.
"Jesus I Have My Doubts" es honesta y sincera al
mismo tiempo, Jon se muestra respetuosamente desconcertado por el estado del
mundo. Toda la canción contiene la fuerza de la carrera de Jon de comunicar una
esperanza cansada frente a la desesperanza. El puente está cargado de emoción,
con la letra: "¿Estás ahí? / ¿Puedes oírme? / ¿Te importa? ¿Estás cerca de
mí? / Porque tengo miedo y estoy cansado / ¿Estás ahí? / ¿Puedes ¿Me escuchas?
/ ¿Estás ahí? " La canción se desvanece con un final abierto, con Jon
expresando sus dudas, pero aferrándose loablemente al mástil del Hacedor. Las
canciones "Thanks Be To God" y "The Gift" encuentran a Jon
siguiendo sus dudas con gratitud, agradeciendo a Dios por librarlo de su guerra
interna y llamándonos a recordar los dones de la fe, la esperanza y el amor.
"The Valley of Planned Obsolescence" regresa al
tono lúdico con un violonchelo que se destaca en la mezcla, un ritmo de tambor
constante similar a una marcha, una melodía animada y un solo de silbido que
colaboran para crear una melodía alegre que induce a sonreír. Haciendo
referencia a cosas ahora obsoletas como la supermodelo de ayer, MySpace, CD y
las redes sociales, Jon se lamenta de envejecer con la lengua firmemente
plantada en la mejilla. Luego, en un toque dulce, le canturreó amorosamente a
su esposa, "¿y cómo sabremos cuándo muere el coro final? / El día que mi
espíritu vuele / Quiero estar contigo / Solo tomados de la mano". De
hecho, es un llamado a atesorar las cosas duraderas, a saber, las relaciones,
mientras deja que lo temporal se desvanezca a la próxima moda del momento.
En general, Departures es otro álbum en una larga lista de
excelentes lanzamientos que llevan la marca de Jon Foreman. Loablemente, pone
su histórica carrera en uso para recordarnos a todos que cada partida termina
con un nuevo comienzo, al igual que las misericordias que vienen con cada nuevo
día. Este crítico se ha visto profundamente impactado por su producción
creativa, beneficiándose de sus preguntas honestas, dudas y control obstinado
de la fe a pesar de todo. Jon equilibra bien la delgada línea de señalar los
problemas de este mundo y admitir su culpabilidad al mismo tiempo que vuelve su
mirada (y al hacerlo la nuestra como oyentes) hacia el Salvador que permanece
fielmente igual. Si bien sería fácil dar por sentado su trabajo con su
prolífica producción que sin duda mima a los oyentes (probablemente también se
lanzará un álbum de Switchfoot en 2021), sería un error descartar este como
"solo otro disco". De hecho, lo que tenemos aquí es un contendiente
al álbum del año, que seguramente estará en la lista de los diez primeros de
fin de año en 2021.
Una letra que tal vez sea
complicada de entender, pero que esconde un hermoso significado, tal vez se
pueda interpretar de esta forma:
Esta canción trata sobre la
coherencia. La forma en que vivimos nuestras vidas cuando nadie nos está
mirando. Cómo debemos esforzarnos por vivir nuestra vida con la misma plenitud
durante todo el año, como los árboles cuyas hojas nunca mueren.
Switchfoot canta mucho sobre
la entropía: la ley de este mundo que establece que todo cae a un estado
inferior de la materia; la segunda ley de la termodinámica. "Todo
muere", las hojas caen, las flores se marchitan, pero nuestras vidas deben
brillar a los demás durante todo el año y no desfallecer.
También tiene la idea de
volver a casa después de unas vacaciones o volver a la vida normal desde una
altura espiritual. "Fin de las vacaciones, estoy aquí una vez más y me
quedo solo en el autobús con la cabeza en el suelo"
Esta canción trata sobre
"vivir la vida" todo el tiempo. Así como los árboles de hoja perenne
permanecen verdes todo el año, debemos estar ardiendo por Cristo en todo lo que
hacemos.
A
Christmas Carol o Un Cuento de Navidad es la historia de un viejo avaro que
odia la Navidad, pero que luego de ciertas circunstancias recapacita y empieza
a amar a la Navidad y a sus semejantes. Majestica lanzo un disco conceptual
sobre este cuento que podría ser el soundrack del mismo. Una de nuestras
historias preferidas, teníamos que incluirla aquí.
[Scrooge:]
Oye
chico, ¿puedes decirme qué día es hoy?
[Chico:]
Bueno,
por supuesto señor, es el día de Navidad
[Scrooge:]
Los
espíritus lo han hecho todo en una noche
Todavía
hay tiempo para hacer las cosas bien
"Y
entonces Ebenezer se dio cuenta de que no es demasiado tarde
Para
que este anciano cambie su cruel destino
Vagaba
por las calles cantando canciones de alegría
Deseando
a todos una feliz Navidad y un próspero año nuevo "
[Scrooge:]
Era
codicioso y cruel, me sentí tan solo
Nadie
conmigo para llamarme mío
Pensé
que era feliz, pensé que tenía razón
Pero
los espíritus me ayudaron anoche
Al
ver la miseria que he causado
La
infelicidad me trajo una lágrima
Así
que feliz navidad a todos
Y
un feliz año Nuevo
[Espíritu:]
Primero
lo llevaron de regreso para ver cuándo era
Un
niño pequeño y feliz con un futuro mejor
Lo
tenía todo, pero aún quería más
Oh,
cómo ha pagado por eso, desde
Tratar
mal a sus amigos, todos los días
No
es de extrañar que no tuviera a nadie cerca
Ahora
feliz navidad a todos
Y
un feliz año Nuevo
Mira
ahora ese hombre, ha cambiado totalmente, es una persona diferente (yo soy una persona
diferente)
Donde
encuentras el amor, ahí es donde encontrarás la Navidad, dentro de tu corazón,
es el momento ...
[Scrooge:]
Es
hora de hacer las paces
Para
derribar la cerca
Y
sal al mundo y ve
Que
cosas maravillosas puede traer
[Hombre
de negocios:]
Seguro
que no gastaría ni un centavo
Por
los pobres, niñitos que un día podrían morir
Pero
ahora podemos verlo aquí todo el tiempo
Gastando
su fortuna
Está
caminando por las calles, sonriendo, saludando tan contento
Cantando
canciones de alegría y alegría
[Scrooge:]
Feliz
Navidad a todos y próspero año nuevo
En
estos gloriosos últimos días que tengo
Lo
gastaré todo en alegría y alegría
Tiempo
para amigos, tiempo para Fred
Y
tiempo para el querido Tiny Tim
Ahora
apenas puedo creer
Pasé
todos estos años viviendo con miedo
Escondiéndome
dentro de mi pared (Feliz Navidad a todos)
Donde
pronto caería (La alianza para siempre)
Así
que Feliz Navidad a todos (Aahh Majepic Christmas time)
Y
un feliz año Nuevo
Feliz
navidad a todos
Y
así fue, que desde ese día
Ebenezer
Scrooge celebró la Navidad de todas las formas posibles
Y
con las palabras de Tiny Tim, cuyo viaje acababa de comenzar
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